Antes de que se acabe este año, el Dr. Caligari ha pensado que sería una buena idea aprovechar el centenario de la I Guerra Mundial para hacer una lista con diez películas que versan sobre ese conflicto bélico. Cabe decir que buena parte de estos films tuvieron una enorme acogida en su momento – de hecho en este listado se encuentran algunos de los mayores éxitos de taquilla de la década – demostrando que al público de la época le atraían los argumentos relacionados con la reciente contienda.
Hoy le dedicamos una entrada al franco-canadiense Raoul Barré, uno de los primeros pioneros en destacar en la animación cinematográfica primitiva. Se asoció con William C. Nolan y realizó una serie de cortometrajes animados para la compañía Edison entre 1912 y 1913 hasta que al año siguiente ambos formaron su propio estudio: Barré-Nolan Studio, dedicado únicamente a la animación en una época en que este tipo de cine todavía estaba en desarrollo. En el seno de ese estudio produjeron una serie llamada Animated Grouch Chaser que tuvo bastante éxito en su momento. Además, en su equipo contaban con gente como Gregory La Cava (futuro director de cine), Frank Moser, Dick Huemer o Pat Sullivan.
¿Recuerdan Las Siete Ocasiones (1925) de Buster Keaton? Pues como ven ya existía un precedente directo, un cortometraje de Edwin S. Porter sobre un francés que pone un anuncio en un diario para encontrar esposa y al final se ve avasallado por tantas pretendientas que acaba huyendo.
La persecución de hecho tira por gags muy similares a los de Keaton con sus respectivas caídas y la gracia de ver a varias respetables señoras corriendo por el campo. Obviamente no entraremos en comparaciones porque no sería justo, el film de Keaton es 20 años posterior y a su lado el de Porter se nota que todavía tiene un estilo primitivo (la persecución acaba haciéndose algo repetitiva), así que simplemente lo dejaremos aquí como curiosidad.
Atentos a la moraleja del desenlace: al final la verdadera esposa es la que no teme mojarse de verdad por el protagonista.
A medida que esto va llegando a su fin, uno piensa en las cosas que echará de menos del festival, y una de ellas es el público. Porque la ventaja de ser un festival que va dirigido a una audiencia muy concreta es que los habituales que nos congregamos en la sala somos todos amantes del cine, y eso se nota en las proyecciones. La gente no solo aplaude al acabar la película sino también al inicio cuando se menciona el nombre del pianistao. Y aunque es cierto que cuando vemos obras tan antiguas siempre encontraremos algunos detalles, frases o gestos tan anticuados que hacen reír por lo desfasados que han quedado, aquí la gente no se ríe siempre a la mínima (como sí sucede por ejemplo en muchas proyecciones de la Filmoteca), buscando con condescendencia burlarse de esos actores que entendían otra forma de interpretación. Del mismo modo que cuando un actor hacía un gesto excesivamente sobreactuado o el guión tomaba un giro demasiado absurdo a veces nos reíamos, también aplaudimos espontáneamente a Colleen Moore cuando hizo una imitación brillantemente cómica o cuando Douglas Fairbanks consiguió tomar el barco de los piratas.
Aparte de ser un marco excelente para conocer muchas películas difíciles de visionar en otros medios, el festival de Pordenone es un sitio ideal para disfrutar del placer del cine mudo rodeado de gente que, como uno mismo, entiende esos códigos y los aprecia. Y antes de que este viejo Doctor se ponga melancólico, demos paso al final de la crónica.
Le Giornate del Cine Mudo tiene la ventaja de que las proyecciones se hacen en un mismo sitio de 9 de la mañana a 11 o 12 de la noche y por tanto no se pisan entre ellas… a no ser, claro está, que uno quiera acudir a algunas de las charlas que se dan en paralelo en el Auditorio de detrás del teatro. Por las mañanas tienen lugar clases especiales donde se enseña cómo hacer el acompañamiento musical adecuado a películas mudas, impartidas por un pianista y con algunos ejemplos ilustrativos. En los últimos días dos de los músicos asistentes a estas sesiones acompañaron la proyección de algunos cortos.
Además, durante la pausa del mediodía algunos expertos dieron charlas sobre temas relacionados con el programa, como el cine de Protazanov, el Technicolor o Chaplin. Yo pude acudir a un par de estas conferencias y fueron muy interesantes aunque desafortunadamente breves. En todo caso es de agradecer el esfuerzo de la organización por organizar estas charlas totalmente gratuitas a las que puede acudir cualquier persona sin acreditación.
Y sin más dilación, sigamos con la crónica.
A causa de su carácter más modesto respecto a otros festivales en lo que a recursos se refiere (que no en cuanto a programa), Le Giornate del Cine Mudo se concentra en un solo recinto, el Teatro Giuseppe Verdi, donde se proyectan la totalidad de las películas. El recinto fue reformado recientemente y, al ser un teatro, cuenta con un foso en que los músicos pueden interpretar el acompañamiento de las películas a piano, que casi siempre ha sido excelente. El programa además tiene el detalle de acreditar el pianista que acompaña cada proyección, lo cual nos permite constatar que el festival ha congregado a intérpretes de todos los países (sospecho que el oficio de pianista para películas mudas no está en alta demanda y no muchos pueden desaprovechar un evento así).
Sin más preámbulos comencemos la crónica de los tres primeros días (algunas de las películas que cito las reseñaré de forma más extendida en el futuro).
En medio de estas saludables vacaciones, este humilde Doctor pensó que sería una buena idea hacer una lista con 10 películas que cumplan 100 años a modo de repaso de lo que se llevaba en el mundo del cine hace un siglo. Así que inauguramos este retorno con un repaso a lo que fue 1914 a nivel cinematográfico.
Aunque presumo que ninguno de ustedes había nacido por entonces, este viejo Doctor recuerda las excitantes novedades que nos trajo ese invento (por entonces nadie lo consideraba un arte) en ese año. El formato del largometraje se estaba empezando a consolidar poco a poco gracias a que cada vez había más recursos cinematográficos con los que contar historias mejores y más largas. Por ello el listado que les mostraremos está constituido íntegramente por largometrajes, algo que habría sido más difícil de conseguir en años anteriores. De hecho 1914, fue la época en que D.W. Griffith hizo sus últimos cortometrajes y mediometrajes antes de lanzarse el año siguiente al hito histórico de El Nacimiento de una Nación (1915). A un nivel más anecdótico, fue también el año en que debutaría en la gran pantalla un cómico inglés llamado Charles Chaplin, que en cuestión de meses pasó a convertirse en uno de los actores más famosos del mundo.
Pero no quiero alargar más esta introducción, acto seguido les ofrecemos un listado de 10 películas de ese año, algunas de las cuales ya se comentarán con más detalle en el futuro. Así mismo, cada una de ellas sirve como reflejo de una tendencia o el trabajo de alguno de los cineastas más importantes de su momento. Leer más »
John Randolph Bray es otro de los grandes nombres de los inicios de la animación cinematográfica en Estados Unidos. Nacido en 1879, se había hecho famoso como caricaturista hasta que decidió probar suerte en el mundo del cine emulando a Winsor McCay, del cual tomó muchas de sus técnicas de animación y luego las patentó adjudicándoselas a sí mismo, demostrando que desde luego no tenía muchos escrúpulos (para descubrir sus trucos como animador, fue a visitarle a su estudio haciéndose pasar por un periodista y le formuló todo tipo de preguntas al incauto McCay, que cayó en la trampa).
Una de sus primeras obras, The Artist’s Dream (1913) llamó la atención de Charles Pathé consiguiéndole un contrato con éste. Se trataba de un corto simpático aún bastante primitivo pero con mucho encanto, combinando imagen real y animación bajo el pretexto de un dibujante cuya creación (un perro animado) adquiere vida cuando se aleja del lienzo.
Sí se pensaban que esto del cine mudo es una forma fílmica anclada a una época concreta del pasado… tienen razón, pero aún así ha seguido habiendo algunos experimentos muy interesantes en décadas posteriores para volver a esa forma de cine, como el ejemplo que nos ocupa hoy.
El Espía destaca sobre todo por partir de una premisa muy curiosa: hacer una película entera sin diálogos en plenos años 50. No puede calificarse de cine mudo porque cuenta con banda sonora y efectos de sonido, pero es una idea muy arriesgada e interesante. Desconozco cómo consiguió su impulsor llevar adelante un proyecto de este tipo, pero el caso es que el resultado final es muy bueno.
Aunque la última película muda de la longeva carrera de Cecil B. De Mille ha sido olvidada respecto a sus espectaculares producciones, a día de hoy se revela como un drama que mantiene intacto su fuerza y vigor.
Pese a que obviamente las referencias al mundo adolescente han cambiado mucho desde los años 20 – algo patente en las expresiones que utilizan en los diálogos – la historia consigue mantener el interés sin problema. Se inicia en un colegio donde una estudiante llamada Judith encabeza un club secreto ateísta. No obstante, buena parte de sus compañeros no aprueba esa organización, en especial Bob, un creyente que decide encabezar un ataque contra ese club durante una de sus reuniones. En medio del ataque se desata el caos y una chica acaba muriendo accidentalmente. En consecuencia, Judith y Bob son destinados a un reformatorio junto a Bozo, el chistoso de clase. Ahí sufrirán las durísimas condiciones de vida de esa terrible institución.
El Testamento del Dr. Caligari 