Piccadilly (1929) de E.A. Dupont

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Pónganse en situación: Londres, años 20. Un club de moda cuya mayor atracción son una pareja de bailarines que actúa cada noche: Mabel y Victor (¿le reconocen? es el actor Cyril Ritchard, que encarnaba al pintor en La Muchacha de Londres de Hitchcock). La película se embriaga del ambiente nocturno, de la animación que se vive en el club, y eso se nota en la dirección tan dinámica y atractiva. Tras la cámara se encuentra el director alemán E.A. Dupont, quien se había hecho un nombre internacionalmente gracias al éxito avasallador de Varieté (1925). Dupont sabía perfectamente lo que el público y la crítica esperaban de él: si el cine alemán se había hecho famoso era por la fama que tenía de ser técnicamente muy superior, de emplear trucos de cámara apabullantes. Por tanto, él ofrece a los espectadores lo que se espera de él, y mientras Mabel y Victor hacen su número, la cámara baila literalmente con ellos, con unos travellings maravillosos que giran por todo el club. ¿No opinan que los travellings resultan doblemente atrayentes en el cine mudo?

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La Fierecilla Domada (The Taming of the Shrew, 1929) de Sam Taylor

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«Desde los atrezzistas hasta los electricistas, todos eran californianos alegres y bronceados. Los estudios estaban bien iluminados, y cada vez que se rodaba una escena, tocaba una pequeña orquesta para ayudar a los actores a meterse en el papel. Y poco a poco aparecían los cargos pálidos y estresados, que parecían casi de otro planeta, y que sin duda eran los subordinados de la Compañía Eléctrica del Oeste, que estaban instalando el primer plató.

Douglas [Fairbanks] vino un día a mi habitación y me dijo: «Vamos abajo a echar un vistazo al primer plató». Bajamos y vimos las puertas de los grandes estudios abiertas, y en lugar de encontrarnos con un sitio bien iluminado donde todo el mundo trabajaba felizmente, era una especie de cueva espantosa cubierta de mantas, sin luces, con el suelo repleto de alambres y cables serpenteantes, y unos micrófonos amenazadores…
Cuando Douglas asimiló aquello, me puso la mano en el hombro, como solía hacer cuando hablaba conmigo, y entonces dijo: «Laurence, aquí acaba el romanticismo de los rodajes de cine«.

Douglas Fairbanks de Jeffrey Vance

Este texto es la narración de Laurence Irving, el diseñador de producción de La Máscara de Hierro (1929) sobre la visita que hicieron él y Douglas Fairbanks al primer estudio sonoro de la United Artists en 1928.

Fairbanks sería uno de los ejemplos por excelencia de grandes artistas cuya carrera nunca se recobraría del paso al sonoro. Leyendo este texto uno no puede evitar dejarse contagiar del lamento de Fairbanks al ver cómo se perdía una forma de hacer cine que para él era en sí mismo un modo de vida. Desde esa perspectiva, La Fierecilla Domada (1929), su primer film completamente sonoro, es una de esas películas que resultan tan divertidas como tristes según el prisma en que se miren. Obviamente teniendo como base la famosa comedia de Shakespeare, el resultado ya tiene mucho ganado de antemano y resulta francamente entretenida con sus dos protagonistas pasados de rosca. Pero al mismo tiempo, cuando vemos a Douglas Fairbanks riendo y dando saltos no puedo evitar pensar que esto es una especie de obituario, el fin de una era feliz en que reinaba en el mundo. También resulta algo triste ver al matrimonio más famoso del mundo en su única película juntos sabiendo que por entonces su relación ya estaba haciendo aguas. Si nos quedamos solo con lo que hay en la pantalla, La Fierecilla Domada es una entrañable comedia inocente, pero si rascamos un poco y averiguamos lo que hay detrás, resulta una obra algo amarga.

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Zohra (1922) de Albert Samama Chikli

Los orígenes del cine están repletos de historias interesantísimas esperando ser redescubiertas, como las que les ofrecemos hoy. Zohra (1922) es la primera película de ficción jamás filmada en Túnez. Narra la historia de una joven que, tras un naufragio es acogida por una tribu de beduinos que la acaban aceptando como una más hasta que retorna a la civilización. El fragmento que hay en Youtube por desgracia no muestra toda la película, pero les da una idea del interés del material, sobre todo por ser una de las primeras veces que se filmaba en un film de ficción a una etnia africana.

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Hermanos (Brüder, 1929) de Werner Hochbaum

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Werner Hochbaum es uno de esos innumerables nombres que nos recuerdan cuánto nos queda todavía por descubrir y cómo la historia del cine no deja de reescribirse continuamente, con la súbita aparición de grandes cineastas arrinconados por el tiempo y que súbitamente vuelven a reivindicarse décadas después para nuestro asombro. Herr Hochbaum fue un director germano que tuvo cierto reconocimiento internacional en los años 30 pero que tras su muerte en 1946 ha quedado en el más absoluto olvido pese a los esfuerzos del MoMA o de festivales como el Cinema Ritrovato de Bologna por rescatar su figura.

Quizá lo que le sucede a Hochbaum es que no es un director que se pueda adscribir a un movimiento concreto y ya saben que siempre es más cómodo colocar a un cineasta en una etiqueta predefinida. Desde luego sus películas no entran en el «estándar» de los géneros que se suelen asociar al cine alemán de la República de Weimar (expresionismo, dramas callejeros, Kammerspielfilm…). En realidad, más que pertenecer a una tendencia Hochbaum coquetearía con influencias muy variadas, de la vanguardia al realismo, o del cine más politizado a los dramas sencillos y humanos.

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L’Homme aux Gants Blancs (1908) de Albert Capellani

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Hoy proponemos, una vez más, reivindicar a otro pionero algo olvidado por la historia tradicional del cine: Monsieur Albert Capellani. Puede que su nombre no les resulte familiar, pero fue en las primeras décadas del medio uno de los realizadores más destacados en Francia, hasta el punto de encargarse de realizar prestigiosas adaptaciones literarias como Los Miserables (1912) o Germinal (1913).

L’Homme aux Gants Blancs (1908) es un cortometraje menos ambicioso pero no por ello exento de interés. Narra la historia de un elegante ladrón de guante blanco que logra seducir a una dama distinguida y llegar hasta su casa. Allá le roba un collar y marcha sin que ésta sospeche nada. Más tarde, entra un ladrón de poca monta y la asesina accidentalmente, pero prepara la escena del crimen para que las sospechas recaigan sobre el ladrón de guante blanco.

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He Nacido, Pero… (Umarete wa Mita Keredo, 1932) de Yasujiro Ozu

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Ozu fue uno de esos cineastas que a lo largo de su carrera no tuvo ningún reparo en hacer remakes de sus propias películas, como por ejemplo Historia de una Hierba Errante (1934), que filmó al final de su etapa muda y la retomó 25 años después en La Hierba Errante (1959); o Primavera Tardía (1949), cuyo argumento es muy similar al de su última obra, El Sabor del Sake (1962). Lo mismo sucede con una de sus películas más populares, la comedia Buenos Días (1959), que cuenta con un clarísimo precedente en la era muda, He Nacido, Pero… (1932). Es cierto que en este caso los argumentos son distintos, pero existen demasiados puntos en común entre las dos como para no hacer la inevitable comparación.

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La Cigarra y la Hormiga (Strekoza i muravey, 1911) de Vladislav Starewicz

Vladislav Starewicz es una de esas apasionantes figuras que acabó en el mundo del cine por puro accidente. Inicialmente su principal interés era la entomología (es decir, el estudio de los insectos), y de hecho trabajaba como director del Museo de Historia Natural de Kaunas (Lituania).

En cierta ocasión pensó que sería interesante grabar algunos cortos documentales sobre su comportamiento, e intentó filmar a dos escarabajos peleándose. Desafortunadamente, dichos animales son nocturnos, y era imposible captarlos usando la iluminación que requería una cámara de entonces. Como solución alternativa, Starewicz pensó que quizá sería más sencillo recrear él los movimientos de dos escarabajos muertos fotografiándolos paso a paso, una técnica que hoy día conocemos como stop motion. El resultado fue Lucanus Cervus (1910), su primera película de animación.

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Intolerancia (Intolerance, 1916) de D.W. Griffith

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De todas las películas que cumplen 100 años este 2016 hay una que merece nuestra especial atención por ser no solo una de las más importantes producciones de esos años sino de la historia del cine: Intolerancia (1916) de D.W. Griffith. Y como no podía ser menos, el Doctor Caligari no ha podido dejar pasar esta efeméride para dedicar un extenso post a una de las obras clave del cine mudo.

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Playmates (1912)

He notado que por una curiosa casualidad últimamente dedico cada mes una entrada a un cortometraje de temática perruna, comenzando por la serie de Buster Brown y siguiendo con Dog Factory (1904). Para seguir con esta racha canina esta semana les ofrezco un cortometraje de autor desconocido llamado Playmates (1912), sobre la amistad entre una niña y un perro callejero del que se encariña.

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Crazy Like a Fox (1926) de Leo McCarey

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Siempre es un buen momento para reivindicar a nuestro buen amigo Charley Chase, el cómico de slapstick más injustamente olvidado de todos. No solo realizó una serie de cortometrajes realmente divertidos en que demostraba sus dotes como actor, sino que previamente se había hecho un nombre como director convirtiéndose en uno de los realizadores de slapstick más solicitados del momento.

Hoy nos centramos en su faceta de cómico para rescatar Crazy Like a Fox (1926), una de las joyas que protagonizó bajo las órdenes de Leo McCarey, otro de los nombres clave del slapstick aunque luego se haría una carrera alejado del género.

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