Éste es con toda probabilidad y por una suma de diferentes factores uno de los mejores rótulos que he visto en una película muda.
Si hace meses ya les hablamos de una película italiana con una premisa irresistible, Filibus (1915) hoy les proponemos un pequeño post dedicado a otra con un argumento igual de atractivo: L’Uomo Meccanico (1921), una película de intriga y ciencia ficción que tiene como mayor aliciente un robot gigante con una fuerza sobrehumana.
Aunque ya se mencionó por aquí en un post dedicado al cine absoluto, la Symphonie Diagonale (1924) de Viking Eggeling tiene suficiente importancia como para merecer una entrada para ella sola. Se trata de una de las primeras obras cinematográficas abstractas que se conservan, además del gran trabajo de Eggeling, un inquieto artista que había coqueteado previamente con el dadaísmo hasta que se empezó a interesar por el cine.
A la hora de entrar a valorar la etapa muda de Alfred Hitchcock el film que siempre se ha destacado es El Enemigo de las Rubias (1927), el primer éxito comercial y artístico de su carrera. El resto de sus obras mudas siempre han pasado bastante desapercibidas salvo para los fans más acérrimos del director al ser obras menores en que éste aún estaba acabando de moldear su estilo personal. Pero si hubiera que escoger cual es el film mudo de Hitchcock mejor considerado tras El Enemigo de las Rubias, éste sería sin duda El Ring (1927). En mi opinión la película debe ese estatus en gran parte a que la versión muda de La Muchacha de Londres (1929) ha estado durante mucho tiempo eclipsada por su versión sonora, un error que se ha ido subsanando en los años recientes. Pero eso no quita que El Ring sea sin duda el mejor Hitchcock mudo tras esas dos películas y la más eficiente de sus primeras obras no enfocadas al género criminal.
La historia del cine está repleta de pequeñas sorpresas, hombres desconocidos que hicieron una contribución nada desdeñable al medio pero que no han logrado trascender. El argentino Quirino Cristiani es uno de ellos, ni más ni menos que el autor del primer largometraje de animación de la historia y de la primera película animada sonora, dos motivos más que suficientes para que su nombre tuviera más reconocimiento
Imagino que todos ustedes asociarán al señor Georges Méliès con sus maravillosas películas fantásticas de trucajes, pero hoy hemos optado por rescatar una obra suya menor que les resultará curiosa por mostrarnos una faceta inédita suya: su breve escarceo con ¡el cine erótico!
A día de hoy se considera Après le Bal como la primera película erótica de la historia del cine (más exacto sería que se trata de la primera que conocemos), al basarse su sencillo argumento únicamente en mostrarnos a esa buena señora desnudándose para acicalarse después de un baile de sociedad. Fíjense en un detalle muy interesante: aunque en el cine de los orígenes era frecuente que los actores miraran a cámara rompiendo la cuarta pared, aquí la señora se desnuda ajena al espectador, enfatizando nuestro papel voyeur (no está desnudándose para nosotros, sino que estamos espiándola sin que ella lo sepa).
No es hasta que la señora se ha ido cuando la otra participante, la criada, lanza una rápida mirada cómplice a cámara, como si ella fuera la única que sabe que hemos participado del erotismo de ese momento. Obviamente es muy posible que esa mirada a cámara sea mera casualidad (por ejemplo que en ese instante Méliès le diera instrucciones para que cogiera el jarrón y saliera de cuadro), pero aun así el efecto que provoca acaba funcionando: solo la criada cómplice y nosotros sabemos que la intimidad de la señora ha sido invadida.
Pese a que no tuvo demasiada fortuna en taquilla, no se debe infravalorar el profundo impacto que causó en su momento la primera película que realizó F.W. Murnau en Hollywood, Amanecer (1927), así como la influencia que tuvo en otros cineastas americanos. Tal es así que incluso John Ford, quien por entonces ya tenía una extensa carrera como director, también aportó su Amanecer con Cuatro Hijos (1928), aunque logrando el éxito que le fue negado al cineasta alemán.
En colaboración con mi colega el Doctor Mabuse, hemos decidido abrir un Tumblr donde postearemos imágenes y algún que otro breve comentario sobre películas y cine en general, tanto mudo como sonoro.
Dicho Tumblr funcionará en paralelo y de forma independiente a nuestro blog, más bien como un complemento de microblogging en el que pueden tener cabida otros films diferentes a los que se comenten por aquí.
Pueden acceder a él clicando aquí abajo:
Y la semana que viene volveremos con más cine mudo. ¡Esten atentos!
Un año más, nos encontramos a punto de iniciar el periodo navideño y el Doctor Caligari, pese a que detesta todo lo que tenga que ver con bondad, felicidad y amor al prójimo, ha buscado en su desván alguna película cuya temática pueda ser apropiada para estas fechas y ha dado con esta producción de Edison titulada A Christmas Accident (1912).
La única película que he podido ver hasta ahora de la etapa muda de Heinosuke Gosho no solo es una de las más célebres de su carrera sino también una de las más interesantes del cine japonés mudo: The Dancing Girl of Izu (1933). Pero quizá, antes de entrar en detalles sobre esa obra, prefieran que les presente brevemente al señor Gosho.
Educado cinematográficamente como ayudante de dirección de Yasujiro Shimazu, Gosho se hizo famoso en la industria japonesa de la época principalmente por dos motivos: primero por la enorme influencia que exhibía en sus films del cine occidental (por ejemplo se comentaba a menudo que en sus obras había más cortes de lo normal según los estándares japoneses de la época), y en segundo lugar por haber dirigido la primera película completamente sonora de la historia del cine japonés, The Neighbor’s Wife and Mine (1931). En realidad, el cine sonoro tardaría bastantes años en implantarse en el país, pero esa proeza le aseguró un lugar destacado en la industria.
No podíamos despedirnos de este 2015 sin una de las efemérides más destacadas de la cual este Doctor ya habló a raíz de la Giornate del Cinema Muto de Pordenone del año pasado: el centenario del nacimiento del Technicolor, una de las innovaciones técnicas que definió en buena parte la estética de Hollywood en lo que respecta al uso del color durante décadas. Les proponemos pues un repaso a los inicios de ese sistema de coloreado de films.
De entrada, cabe tener en cuenta que el Technicolor no fue, ni mucho menos, la única alternativa de la época para manejar el color. Incluso si dejamos de lado algunas técnicas más artesanales y, por ello, inviables a gran escala (como el coloreado a mano), en las primeras décadas de cine ya hubo una serie de pioneros que se pelearon por encontrar una forma de registrar el color en el negativo de las películas. Algunos de esos sistemas que no acabaron venciendo al Technicolor fueron el Kinemacolor, el Biocolour, el Kodachrome, el Prisma Color o el Multicolor. Pero dejémonos de preámbulos y entremos de lleno en materia.
