El caso de John Gilbert y el cine sonoro

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Uno de los tópicos más extendidos a la hora de hablar del salto del mudo al sonoro es el de la antigua estrella de cine que con la llegada del sonido se quedó atrás por no tener una voz adecuada. Y efectivamente existen casos de ese tipo, no solo en referencia a actores extranjeros cuyo acento les impedía interpretar muchos papeles, sino también en lo que respecta a actores norteamericanos cuya voz sencillamente no agradó al público.

Uno de los ejemplos por antonomasia que más se suele citar es el del actor John Gilbert. En los años 20, Gilbert era uno de los actores favoritos del público, especialmente femenino. Sus papeles de galán seductor encandilaban a las espectadoras, y era la pareja perfecta para una de las grandes divas del Hollywood de la época: Greta Garbo. Sin embargo, la carrera de Gilbert cayó en desgracia con la llegada del sonido, mientras que la de Garbo se mantuvo sin muchos problemas pese a su marcado acento escandinavo. Leer más »

Par le Trou de Serrure (1901) de Ferdinand Zecca

Tiempo atrás les hablamos de un importantísimo corto de cine de los orígenes, Grandma’s Reading Glass (1900), que introducía el concepto de primer plano mediante la excusa de una lupa que permitía ver los objetos de cerca. El film que les proponemos hoy juega con una idea muy parecida pero ofreciendo, eso sí, un contenido mucho más erótico.

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El cine absoluto: la vanguardia en busca de un “cine puro” (II)

En nuestro anterior post les introdujimos el concepto de cine puro o absoluto, idea acuñada por las vanguardias artísticas de los años 10 y 20 para defender un tipo de cine que no se basara en la narrativa ni en sus vínculos con el teatro y la literatura, sino que fuera una forma de arte nueva que se valiera por sí sola. Los ejemplos del anterior post tiraban más hacia un cine abstracto en que autores como Richert y Eggeling se servían de la pantalla para expandir la pintura abstracta en el tiempo. No obstante, también se podía hacer cine absoluto con imágenes reales filmadas, y es en lo que nos detendremos hoy.

Los films abstractos mencionados anteriormente estaban muy emparentados con la pintura, mientras que los que veremos a continuación ya toman como referente la fotografía, y utilizan de una forma más clara la potencialidad de la cámara para capturar la realidad; pero con la diferencia de que no buscan contar una historia con esa realidad o simplemente documentarla, sino utilizarla de base para hacer algo diferente.

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El cine absoluto: la vanguardia en busca de un «cine puro» (I)

Hoy día ya tenemos asimilado el cine como un medio destinado principalmente a contar historias, pero en las primeras décadas de su existencia muchos se preguntaban si quizá no debería emplearse para otros fines, si el cine no podría aspirar a ser otra forma de arte desvinculada del teatro o la novela. ¿Por qué emplear la cámara únicamente para volver a lo mismo que habían estado haciendo la literatura y el teatro durante siglos? ¿Por qué no aprovechar sus cualidades plásticas para una nueva forma de creación artística? Este debate es el que surgió alrededor de lo que se podría conocer como cine absoluto o puro. Pero antes deberíamos ponernos en contexto.

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Los policías de la Keystone

A finales de los años 10, Mack Sennett y su estudio Keystone eran sinónimos de comedia. Sus películas eran inmensamente populares, más incluso que otras de géneros más prestigiosos, y por ello consiguieron penetrar en el imaginario popular de la época. El público de entonces entendía que una comedia Keystone era sinónimo de varios elementos que se repetían constantemente, como alocadas persecuciones al último momento, chicas en bañador y, en el caso que nos ocupa, los policías de la Keystone.

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The Candle and the Moth [Evangeliemandens Liv] (1915) de Holger-Madsen

The Candle and the Moth es una de las principales películas del danés Valdemar Psilander. En los años 10 ésta era con diferencia el actor más importante de los países escandinavos, que a su vez constituían uno de los principales centros de producción cinematográfica de aquel momento. Por tanto ante todo cabe entender que la película se basa en el poder de atracción de su principal estrella. De hecho, al tratarse de una época en que la figura del actor-estrella aún era relativamente nueva, el film consta de un curioso prólogo en que vemos a Psilander preparándose para su papel: un plano del actor sentando leyendo el guión mientras se ven en sobreimpresiones imágenes del personaje que va a interpretar. Un momento maravillosamente naif y lleno de encanto.

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La Photographie Électrique à Distance (1908) de Georges Méliès

Hoy me apetecía compartir algún vídeo de Méliès, y rebuscando entre los cientos de candidatos posibles me he decantado por uno que no es de los más recordados ni vistosos, pero que aún así creo que es muy interesante.

La Photographie Électrique à Distance se realizó en la época final de la carrera del mago del cine, cuando ésta empezaba a declinar. Teniendo en cuenta que por entonces ya había producido algunas de las películas más vistosas y llamativas de su época, dicho film puede parecer bastante modesto a su lado. En esta ocasión Méliès decidió utilizar los efectos especiales de forma más contenida no tanto para evocar un mundo fantástico como para mostrar una premisa de ciencia ficción basada en un invento imaginativo que por entonces no existía: una pantalla gigante que capturaba imágenes en movimiento al instante de grabarse.

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Inicios del cine sonoro animado en Estados Unidos

No es ningún secreto que el cine animado siempre se ha apoyado de forma decisiva en el sonido como medio expresivo, especialmente en sus primeras décadas de existencia. Basta con ver un cortometraje animado al azar de los muchos que produjeron estudios como la Warner Brothers o Disney para apreciar el enorme peso que tenía el sonido en ellos. La banda sonora musical es la que marca el ritmo con frecuencia, los personajes cantan con una frecuencia a veces irritante y uno de los recursos más habituales en este tipo de films era utilizar pequeñas melodías musicales para imitar la acción que se estaba llevando a cabo.

Por ello, los años de transición del cine mudo animado al sonoro son absolutamente fundamentales. En este caso nos centraremos en Estados Unidos y los primeros cortometrajes de entre los principales animadores de la época que incorporaron sonido sincronizado .

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Sobreviviendo en el desierto: el rodaje de la escena final Avaricia (1924)

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Así como meses atrás les hablé de la caótica producción de Esposas Frívolas (1921), hoy he pensado que sería una buena idea compartir algunas jugosas declaraciones sobre el célebre rodaje de la escena final en el desierto de su película más famosa, Avaricia (1924).

Muchos de los que participaron en Avaricia califican el rodaje de las escenas en el Valle de la Muerte como, literalmente, “la experiencia más terrible” de sus vidas. Filmar una película allá era una locura desde cualquier punto de vista, pero no para Stroheim, un cineasta famoso por agotar a su equipo con rodajes maratonianos que acababan al amanecer y martirizar a sus actores hasta deshacerlos psicológicamente con tal de conseguir la actuación deseada. Su obsesión con el realismo alcanzó nuevas cotas con la adaptación de la novela naturalista McTeague, a la que pretendía ser lo más fiel posible. Veamos lo que tiene que decirnos Stroheim al respecto:

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El Hijo de la Pradera [Tumbleweeds] (1925) de King Baggot y William S. Hart

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William S. Hart fue una de las estrellas más grandes de la era muda del cine. De todos los protagonistas de westerns que poblaron las pantallas en esos años, Hart había acabado siendo el más destacado de todos y el que mejor encarnó la figura del cowboy cinematográfico hasta la llegada de John Wayne.

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